Pour notre 8e création, nous avons décidé d’oublier tout ce que nous avions appris pour nous concentrer sur une seule question : pourquoi faisons-nous du théâtre ? Pourquoi continuer à faire du théâtre aujourd’hui ? A quoi ressemble le théâtre de notre temps ? Quel est notre théâtre ?

Au théâtre, le diable c’est l’ennui. Pourquoi s’y ennuie-t-on? Parce qu’on y voit quelque chose de mort, un spectacle figé, rejoué à l’identique tous les soirs. Nous voulons que notre théâtre « Vive », qu’il soit aussi mouvementé et imprévisible que la vie.

On pourrait croire que le spectacle vivant est un art désuet face aux écrans omniprésents et aux médias hyper puissants. Pourtant il continue de vivre. Depuis des millénaires des gens se réunissent pour voir d’autres gens jouer. Depuis des millénaires, les hommes ont besoin de cette parenthèse. Que cherchent-ils ? Peut-être un endroit où tout peut arriver, où il est possible de remettre du jeu dans l’ordre établi. Peut-être que nous cherchons un endroit où l’inattendu a sa place, où tout peut se créer.

Nous voulons un théâtre en mouvement, un théâtre de l’inattendu, un théâtre en rupture, incontrôlable, un théâtre vivant !

Le processus
Nous ne cherchons pas à circonscrire notre art. Nous ne connaissons pas notre destination, nous nous laissons emporter par le flot, découvrant au fur et à mesure des répétitions vers quelle forme nous allons. Jusqu’à la dernière représentation notre travail est ouvert, mouvant. C’est un processus que nous avons déjà expérimenté sur nos précédents spectacles et que nous continuons à explorer.

Pour faire naître la pièce nous nous sommes réunis, et nous avons parlé de nos histoires, de nos préoccupations, puis nous avons improvisé à partir de cette matière. De ces premières réunions est apparue l’envie de parler du monde et de ses maladies, pas pour les pointer du doigt mais plutôt pour en faire surgir la beauté cachée. Dans notre théâtre, nous ne proposons pas au spectateur de s’évader mais nous lui offrons un sas pour mieux revenir au monde. Notre but n’est pas de combler ses attentes mais de déplacer son regard, afin qu’il regarde son monde différemment.

Il n’y a pas de texte de base, le coeur du travail est l’improvisation permanente. Pour maintenir la parole vivante et mélanger les genres, nous la ponctuons de scènes écrites, qui font office de points de repères. Nous avons aussi travaillé sur le corps à travers la danse, et le jeu masqué, en faisant à nouveau se rencontrer les genres pour mieux les confronter.

La scénographie et l’esthétique ont aussi été nourries par le travail au plateau. Nous pensions que pour être juste il ne fallait pas plaquer des costumes et des décors mais les tester et les ajouter au fur et à mesure des répétitions. Avec May Katrem (costumes) et Claire Massard (scénographie) nous avons choisi d’aller à l’essentiel. Il s’agissait de trouver comment faire naître la joie de l’expérience collective avec le minimum : une malle à costumes, quelques chaises et une table. Dans cette esthétique épurée, ce sont aussi les corps et la danse qui font la scénographie.

Un spectateur actif
Le spectateur fait partie intégrante de nos représentations car c’est lui qui active la pièce que nous donnons. Nous avons choisi un théâtre en mouvement où chaque représentation est unique et où le spectateur actif a donc un rôle à part entière. La relation avec le spectateur est un ingrédient essentiel de notre théâtre. Nous voulons le surprendre, le maintenir éveillé, nous adresser directement à lui pour mieux dialoguer avec lui.

Pourquoi est-on si fasciné par le funambule sur son fil ? Parce que ce dernier peut tomber à tout moment sous nos yeux. Nous voulons être ce funambule, quitte à prendre le risque de nous écraser au sol.