Tout n’est qu’un jeu pour survivre.

La recherche d’une réalité scénique et non une imitation de la réalité vont conduire notre travail. Une vérité intérieure – ou une véracité – ayant comme support la personnalité de l’acteur permettra d’aborder la question « d’être » en scène, du rapport entre le scénique et le privé.

La scénographie ne cherche d’ailleurs pas à représenter un lieu concret, mais telle une sorte d’installation figure un no man’s land, l’hôpital psychiatrique peut être… où les personnages se trouvent exposés, désarmés, encerclés par une nature à l’abandon, en putréfaction et le monde urbain tumultueux, agité, lointain et déformé.

Une des principales luttes des personnages d’Antigone à New York est de s’inventer, créer des illusions pour s’abstraire, s’oublier. Ce jeu de perspective résonne avec la problématique même du jeu d’acteur. Les comédiens passeront de l’incarnation d’un être qu’ils projettent sur le plateau à une parole plus directe, plus intime. Jouer de toute façon ne consiste pas à devenir un autre mais à collecter des fragments d’un personnage tout en restant soi. Les acteurs d’Antigone à New York mettront à profit cette ambiguïté pour mieux donner corps et vérité aux quatre êtres qui s’agitent devant nous. Parfois, ils parleront avec leur propre voix, lors de moments de repos ou de sincérité désarmants ou comme les comédiens qui ne savent plus quoi jouer, ils s'accrocheront à des mouvements, des pensées, des paroles quasi-incontrôlables pour continuer à survivre sur la scène. Les personnages apparaîtront ainsi distraits, déstabilisés au moment où ils sortent de la mécanique du jeu.
Parfois, au contraire, les acteurs se lanceront dans un jeu plus excessif, plus exagéré, désarticulé, comme si sa matière même leur échappait.